CAT'S FOREHEAD

SILENT COMEDY CUT-OUTS 02 my white - CAT'S FOREHEAD | Feature

2012-02-22T07:03:08Z

おり紙を切ったり、手でやぶいたりすることで生まれる「きわの質感」を素材として取り入れたスタイルで活動する鈴木ヒロキ。彼が昨年発表した１ページ完結のコミックスタイルのZINE「Silent Comedy Cut-outs」は、セリフがなくてもクスッと笑えるユーモアで好評を博した。その中の作品に新作を加え、１０回連載でお届けします。

01 ants and a sun>>>

鈴木ヒロキ
武蔵野美術大学卒業。2007年よりフリーランスとしての活動を開始。
イラストレーションはおり紙を切ったり、手でやぶいたりすることで生まれる「きわの質感」を素材として取り入れたシンプルなコラージュスタイル。
鈴木ヒロキのインタビュー記事はコチラ

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Happy New Year 2012 from Who-Fu - CAT'S FOREHEAD | Video

2012-02-07T08:36:30Z

2012年も1ヶ月ほど過ぎようとしていたある日、ニューヨーク在住の映像ディレクターデュオのWho-Fuから年賀ムービーが送られて来た。あれ、このメールは船便で運ばれてきたのかな？と少しばかりサーバを疑ったものの、どうやらそうではないらしい。
本人に事情をたずねたところ、
「毎年、私たち映像ディレクターデュオ／Who-Fuは年賀状代わりに年賀映像を創って、お世話になっている方に送っています。今年はおめでたいメニューNO1.のお赤飯の具材である、お米と小豆を使ったストップモーションを制作しました。でも昼は（通常の）仕事があるため、毎晩少しずつ撮影をしていたら、気がついたら完成は旧正月になっていました。」
とのこと。なるほど、確かに形状を維持しにくい粒子で出来たライス・ドラゴンの撮影はとっても大変そう。
短い映像だけど、さすがに2009年にミュージックビデオ「日々の音色/SOUR」で様々な賞を受賞した彼らの作品だけあって、手作りの暖かさと彼らならではのホッとするようなユーモアが感じられますね。
そうそう、撮影が終了した後に、この食材でちゃんとお赤飯を炊いたそうです！

Happy New Year 2012 from Who-Fu on Vimeo.

Who-Fu
2008年より活動しているMagico NakamuraとMasayoshi Nakamuraによるディレクターユニット。Magicoは映像ディレクター兼イラストレーター、Masayoshiはモーショングラフィックデザイナー兼イラストレーター。

http://www.whofu.com/

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Who-Fu - CAT'S FOREHEAD | Profile

2012-02-07T01:41:16Z

2008年より活動しているMagico NakamuraとMasayoshi Nakamuraによるディレクターユニット。Magicoは映像ディレクター兼イラストレーター、Masayoshiはモーショングラフィックデザイナー兼イラストレーター。

http://www.whofu.com/
Who-Fuの記事はコチラ

Hibi No Neiro from Who-Fu on Vimeo.

Reflection Plus from Who-Fu on Vimeo.

"Desperate For Love" Over The Rhine from Who-Fu on Vimeo.

Happy New Year 2011 from Who-Fu on Vimeo.

I Believe from Who-Fu on Vimeo.

mmbi "A More Fun World" from Who-Fu on Vimeo.

"Spoiled Boy" 80kidz feat. Lovefoxxx from Who-Fu on Vimeo.

SVA Yearbook 2010 Short Version from Who-Fu on Vimeo.

Cartoon Network ID Bumpers from Who-Fu on Vimeo.

COPA（こぱ）/ CONCENT LAN インタビュー - CAT'S FOREHEAD | Journal

2012-01-25T07:33:19Z

アートディレクター COPA。彼女の周りには、新進気鋭のアーティストやカメラマンなどが多く集まる。その印象からか、彼女が手がける作品やスタンスを「分かる人に分かる」とか、「ちょっと尖った感じ」という印象で受け取る人も多いかもしれない。主にファション、アート、音楽、映画など、サブカルチャー的な領域で、アートディレクションを手がけてきたという経歴もその要因のひとつかもしれない。しかし最近の彼女の作品をよく見て、彼女の言葉に耳を傾けてみると、それは誤解だということに気付かされる。彼女の最近の仕事が「KARA」やAKB48から派生したユニット「Not yet（大島、指原、北原、横山）」など、国民的アイドルと呼ばれる、アイドルの中のアイドルたちのCDジャケットのアートワークだと聞いても、それは驚くことではない。アートディレクターとしての彼女のスタンスを知れば、きっとそれが自然の成り行きだと分かるはず。普段はメディアで発言することのない彼女に話を聞いた。

Not yet 「ペラペラペラオ」／日本コロムビア／2011

ずっとアイドルのアートワークをしたいって言っていたことがついに現実になりましたね。「KARA」にはじまり、今回は「Not yet」のCDジャケットを手がけられたわけですが、そもそもなぜアイドルだったんですか？

AKBにしてもジャニーズにしても、ああいう人を熱狂させるカルチャーそのものが好きなんです。自分も熱狂するのが好きだし、熱狂してる人たちも好きだし。「聖子ちゃんが好き」って言ってる「おとこのこ」の感覚と一緒ですね（笑）。

ストリートカルチャーやファッションなど、これまでどちらかというとサブカルチャーやアート的なメディアでの仕事が多かった印象がありますが、アイドルってその対極、まさにメジャーですよね。デザインの志向が変わったんでしょうか？

変わってないと思います。ずっとファンタジックなものが好きっていうのはあったし、たぶんAKB48がやりたい、アイドルがやりたいというより、秋元康さんが作るものが好きとか、宮藤官九郎さんがつくるものが好きとか、作家の人たちがつくったカルチャーが好きなんだと思います。ジャニーズだったらジャニーさんがつくったカルチャーが好きとか。

具体的にはそういう人たちのつくる何に惹かれるんですか？

情熱。全然温度が違うじゃないですか、AKB48にしてもジャニーズにしても「真ん中で行こう」っていう感じが好きなのかもしれないです（笑）。

Not yetの『ペラペラペラオ』は具体的にどのようなプロセスで作られたんでしょうか？

初顔合わせの時に、秋元さんの歌詞の草稿を見ながら「秋元さんがこういう曲にしたい」ということだけを聞いたんですが、企画出しのスケジュールがかなりタイトだったので、その日の夜中にスタイリストを呼び出して食事しながら受けてもらえるか交渉をしつつ、事務所に戻ってそこから企画を考えて３パターン提案・・・みたいな感じでした（笑）。それぞれ、「月曜日」「水曜日」「日曜日」という企画で、この時点ではタイトルもフィックスしてなかったけど、内容が「カフェの店員に恋する声をかけられないもじもじした男の子の気持ち」を歌ったものなので、彼目線で彼が妄想している女の子たちを表現したものになってます。月曜日は、彼女が僕のためにコーヒーを入れてくれる妄想。水曜日は、バックヤードでまかないをみんなで楽しく飲んでるという妄想。日曜日は、お休みの日におめかしして彼女たちがどこか出かけているという妄想。全部『ペラペラペラオ』の妄想がビジュアルになっています。

他のCDジャケットの場合も同じように、楽曲をもらってから自分なりにストーリーや世界観を企画にしていくんですか？

同じですね。基本的に全部そういうやり方です。ストーリーそのもの自体が表に出ることはないけど、プレゼン段階では、必ずあります。どちらかというと、「企画屋」っぽい感覚でやってるかもしれないです。後付けでも、とりあえずストーリーがないとやりたくないというのがあって。PVを作る感覚に似てるのかもしれない。プロットを考えて、その背景にあるものを考えて。そういった母体が決まれば、例えばスタイリストに発注する時に「そのストーリーをベースにそこから読み取ってもらって作る」という一歩先のこともできるので。

自分ひとりではなく、スタッフのアイデアも融合していく？

写真のライティングがどうこうって具体的な指示をするというよりは、「こういうイメージと内容で、こういう風にしたいけど、どうですか？」って相手に投げかける感じです。

ストーリーのたて方に自分の癖はありますか？　もしあるならアーティストや曲自体が毎回異なるわけですが、その場合自分の癖がはまらない時もあるのでは？

癖はあると思います。でも基本的にビジュアル作りの人間なので対応できるというか。ラッキーなのか、いままでストーリー作りで、はまらないということはなかったですね。アーティスト本人と会って話すし、汲み取るテクニックの方が強いのかも。ビジュアルに落とすというより、相手のやりたいことからストーリーを生み出していくので。

スガシカオ「FUNKAHOLiC magazine 2009」／Office Augusta／2009
スガシカオ「FUNKASTiC magazine 2010」／Office Augusta／2010

当たり前のことかもしれませんが、アートディレクターという仕事は、自己表現とは違うということですか？

もちろん、それを一番に心がけています。スタイルを持たないということ。こういう感じだったらこの人にお願いしようとか、そういうスタイルの固定した人にはなりたいと思っていない。アーティストやミュージシャンが、前の時より売れたらいいなとか、評判良かったらいいなとか、そっちの方にまず考えが行きますね。

具体的なグラフィックデザインの話を聞きたいんですが、COPAさんのデザインは、この「Not yet」なんかは特にそうですが、どこかいい意味でのダサさ、ゆるさがあると思うんですが、その辺はどうですか？

そうじゃないですかね（笑）。まあ、ゆるくいたいとは思ってます。デザインの基盤となるグリッドシステムとかタイポグラフィに関しては、大学で専攻してたくらい好きなので、そこはずらしたくないけど、それがぱっと見でわからないくらいにしたいとは思ってます。ある程度のきっちりしたベースは外さず、メジャー感がないビジュアルづくりっていったら変だけど、そういう喜劇的な感じを心がけています。

絵づくりで美術セットを使ったものが多いようですが、こういったセットや空間を作っていくことは昔から好き？

それが好きなんです。それに気づくのにだいぶ時間がかかったけど、振り返って考えると確実に美術を毎回組んでますね。

それはいつ気づいたんですか？

本当にドンピシャの美術の仕事をして気づきました。テレビと舞台で、いわゆる美術の仕事をまるまる１年して、その時に「あ、美術が好きだったんだ」と実感しました。いままで全く経験のない図面を引くところからはじまって、それまではアーティストに頼んでいたものをいわゆる美術の業者さんにやってもらって、箱をすべて自分の作った世界で埋めるというのは、相当大きなインパクトがありました。『タナゴコロッジ』『タナゴコロータス』（関西テレビ）という番組では、セットのモチーフすべてにストーリーがあって、「実はこの部屋は架空の世界で、一度出て戻ったら建物が無い」という設定だから、床を芝生にして花を咲かせてみたり。

「タナゴコロータス」／関西テレビ／2009

そういう設定もCOPAさんがすべて考えるんですか？

番組の指針は、総合演出がいるので決まってるけれど、それを聞いて美術のためのストーリを私が考えてデザインに落としていきます。置いてある小物のラベルとかも全部デザインしてます。テレビ番組で何が一番良かったって言うと、（他のメディアの仕事とは）バジェットが違うからアーティストにいろいろと頼めたこと。その時もセットやオープニングのムービーをKYOTARO、ウラタ※スパンコール、WHO YOUといった友人のアーティスト達に、ちゃんと予算のあるお仕事として頼めたことでストレスがなかったのがよかった。

アーティストをサポートしたいっていう話をよくしてますよね。

たぶんそれがやりたいから、この仕事を選んでるといっても過言じゃないです。そうじゃなければ、たぶん自分がアーティストになってると思います。たぶんその２つの選択肢でしょう、自分が役者になるか、誰かの黒子になるか。

テレビなんかは特にそうですが、ひとりで作るものではなく、美術、カメラマン、ディレクターなど、よりチームで作る感覚が強いですよね。学園祭に近いというか。自主企画で女の子のアーティストを集めて展覧会（「poussez gallery」：2003年Super Delax）を開催したりしてましたよね。

かなり学園祭で、そういうのが好きですね。あの企画（「poussez gallery」）は生意気からの依頼で。今思うと女の子のアーティストだけ集めて、なんだかんだでああいうメチャクチャなイベントがよくできたなと。もともと映画をやりたいとか、ギャラリーをしたいとか、学生的なノリはずっとあるので。誰かが作ったものを見るのが好きだし、アーティストが好きだから。カメラマンとかイラストレーターとか、そういう非凡な人たちが好きで関わりたいと思ってるから。

非凡な人と付き合いたいと思うのはなぜ？

憧れ？　でも、限られた中での自分のインプットなんだと思います。やっぱり自分の先にあるところに行くには、誰かとやる方が絶対におもしろいし。自分がアーティストじゃないから、どっちかというとそのアーティストをお膳立てしたいというのがずっとあって。「じゃあこの子がトクになるように企画を組もう」とかで始まるんです。

poussez gallery／2003～2004

広告ではない仕事が多い気がしますけど、広告はやらないんですか？

最初の頃に代理店とものすごくもめてやらないって決めて（笑）。
（嘘です。やります！）

そのスタイルだと難しいというか、主旨が違いますもんね（笑）。アートディレクターの仕事は、商品そのものの良さを消費者に伝えることが仕事。でもさっきの話だとアーティストたちを表に出すことが優先されるから。

そんなことはないですよ、丸くなったから（笑）。ものすごく優しくなった、大人になった。最初は本当に生意気でモメることも多かったけど、今では全然変わりました。きちんと売れるものを創りたいと思ってるし、肯定から入らな（いといけない）と思ってるし（笑）。

昔は否定から？

否定から。否定から入って否定で終わるっていうスタイル、尾崎的な？　その時はまさに「反骨」。でも大人になると、どっちかっていうと反対の立場に回るから、それでよくわかったっていうか。

だからアイドルの仕事ができたのかもしれないですね。反骨だと難しいですよね。

そうですね。労働時間的には過酷だけど、本当に楽しかったって最後に終われるようになったのはここ数年じゃないかな。やっぱりどこかで100％、150％のものから落としていくっていうことになると思うんですよ。妥協とは違うけど。それはたくさんの人が関わってるので仕方がないけど、人を説得しながらどこまで良いものに留めていくかが私の役割。でも結局は「なんかもういい子たちだからいい」とか、その中の人がどんだけ一生懸命関わってるかを、一番顕著に自分が感じられる立場にいるので、そういうことも汲めるような大人になりました（笑）。

言い切っちゃっていいんですか？

だって、デザインと全然関係ないところじゃないですか。でもそれも信念かなって。みんなの思いを汲み上げて、カタチにするのが私の仕事だから。10人関わっていたら10の意見がある。それをうまくテトリスみたいにはめていくことが仕事というなら、やってやろうじゃないかと。うまくできるようになった方だと思いますよ。

コミュニケーションの仕方が変わった？

変わったと思う。思うし、自分がほんの少し経験を積んだから、そこまで舐められないようになったっていうのもあるかもしれない。やっぱり若い時は頭ごなしに否定されたりしたことも。女の子だし。当時はナメられないために「打合せにヒゲのおっさん連れて行こう」っていう話を本当にしてたから（笑）。そういうのも含めて、「（当時は）周りの信頼できる人たちがアーティストだった」っていうのはあると思います。だから今は恩返しの時期に入ってるんだと思います。

Photos_ Akihisa Okumoto
Text_Yoshiyuki Ishii

COPA（こぱ） / CONCENT LAN

アートディレクター／グラフィックデザイナー
SEE GEE GEN、角田純一に師事。独立後、デザイン対策ユニットCONCENT LANを田中純子と結成。 2011年、田中純子は「普通の女の子にもどる」と宣言して脱退したため現在ソロ活動中。ファッション、音楽、映画、文学、アートというカルチャー関連のデザインから美術デザインまで手がけるデザインスナイパー。

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COPA（こぱ）/ CONCENT LAN - CAT'S FOREHEAD | Profile

2012-01-25T01:42:40Z

Photos_ Akihisa Okumoto

アートディレクター／グラフィックデザイナー
SEE GEE GEN、角田純一に師事。独立後、デザイン対策ユニットCONCENT LANを田中純子と結成。 2011年、田中純子は「普通の女の子にもどる」と宣言して脱退したため現在ソロ活動中。ファッション、音楽、映画、文学、アートというカルチャー関連のデザインから美術デザインまで手がけるデザインスナイパー。

COPA(こぱ)のインタビュー記事はコチラ

＜本人による作品解説＞
▲Not yet 3rd SG「ペラペラペラオ」
Type Aの特大サイズのコーヒーカップはCONCENT LANの美術発注でおなじみのゼロゼロエスエスのアーティスト松岡武作。

▲ピストルバルブ 1st Full Album「RATATATTAT!」
最後の晩餐をモチーフとしたテーブルセットは創作～装飾まで双子アーティストHAMADARAKAの作品。このアルバムビジュアルをみたロンドンブーツの淳さんからマネージャーを通して即連絡がきて、後にjealkbの数々の企画や、鈴木おさむ氏演出の亮一座の美術オファーを受けることになる。

▲スガシカオ　ツアーパンフ「2009 FUNK FIRE」「2010 FANKASTiC」
企画編集から立ち会い、編集及びディレクション、デザインまでクリエイティブディレクター的に参加したもの。各100Pのボリュームに加え、2冊目は「スガシカオ失踪」という架空のプロットからの盗撮や事情徴収、現場検証写真という内容でスガパンフでは異例の売り切れ増刷というファンクな作品。撮りおろしのウィットに富んだ撮影は鈴木心。鈴木心氏曰く「この年いちばん笑った撮影」というありがたいことばを頂く。

▲ファッション、カルチャー系エディトリアルもの
Prints 21 MOOK「HOT YOGA」、「VINGT NEUF29」2011AW／2012SSカタログ「VINGT NEUF29」のカタログは作家性の強いフォトグラファー間部百合や佐野方美にフリースタイルで撮影してもらうという「ディレクションしないディレクション」という新技作法。

▲Super Deluxe内の女子トイレに突如あらわれた女の子だけのギャラリー"poussez gallery"
毎月いいとも形式でアーティストを交代。不定期でイベント「CATS」「Don't huntting Witch!」を KYOTARO、HAMADARAKA、トーストガール、稲葉まり、Fancy Pink Net、できやよい、大島央照をレギュラーに催し、最後に「BURU-SERA」展、「SEKU-HARA」partyでアーティストのMEGとファッションショー、GOLD FINGERでの出張ファッションショーでこっそり幕を閉じる。

▲関西テレビ系列「タナゴコロッジ」「タナゴコロータス」の衣装＆セット＆番組ロゴなど全てのビジュアルディレクション
キャストの皆さんは奇天烈な格好やセットを大変気に入ってくださってました。津田寛治さんに関してはジャケットの内側に調理器具などをぎっしり付けてのお芝居をしていただきました。総重量30kgくらいはあったかと。

▲「タナゴコロッジ」美術セット
「掌」がテーマのサスペンスドラマなのでどこかしこに伏線をはりめぐらせている引き出しの中や宿帳の中など映らないものにもすべて細かく創り込みあり。

▲「タナゴコロータス」美術セット
外と中、現実と空想というイメージ。往年の美術監督さんと相談しながらいろいろ無理いって作ってもらいました。「蓮」がテーマだったので部屋の中には小さな噴水があり、床は芝。

まだまだ続く北村佳奈の公開制作 - CAT'S FOREHEAD | Journal

2012-01-13T06:08:41Z

2011年9月の東京のギャラリーで、北村佳奈はひたすら絵を描いていた。
三軒茶屋のgalleryHで行われた彼女の個展『ハッピーテラピー』の開催期間中に、公開制作で一枚の巨大な水彩画を描いていたのだ。個展の初日から描き始めて、作品が仕上がったのは2週間後の最終日。毎日休まずに通って描いていたというから、彼女自身も展示作品の一部だったと言っていいだろう。彼女の網膜の特殊なプリズムを通してカラフルに分解された光を、水彩絵の具をモザイク状に敷き詰めていくようなスタイルで表現する彼女の作風に興味を持ってポートフォリオを見せてもらったところ、このスタイルに辿り着いたのはどうやらつい最近のようだ。今回は最新の展示を中心に、彼女の描こうとしている"何か"について話を聞いた。
※文中に出てくる個展で発表した作品は彼女のProfileページで一部閲覧可能です

文化服装学院ではファッションデザインの勉強をしていたんですよね。絵は独学ですか？

はい。文化でもファッション画の授業はあったんですが、デッサンなどの本格的な絵の勉強はしたことはありません。デッサンの授業はあったんですが、石膏像に興味が持てなくて。でも子供の頃から絵を描くのは好きでした。家族みんなで山に行って滝の前で写生大会をしたりとか。卒業してからもとにかく絵を描きたくて、新卒で就職したアパレルブランドもすぐに辞めちゃったんです。

思い切りましたね。もったいないというか（笑）。ほどなくして応募したコンペティションで大賞を受賞しますね。

TIS(Tokyo Illustrators Society)が主催したTOKYO illustration 2007で大賞をいただきました。国立新美術館で展示したかったので、すごく嬉しかったですね。でも賞を頂いた作品のスタイルは、その後すぐにやめてしまいました。色々と考えているうちに、当時描いている絵ではまだまだ甘い気がして。もっと掘り下げたいと思ったんです。

Art work for a Magazine "ROCKS", SHIBUYA PUBLISHING & BOOK SELLERS

そこもまた思い切りましたね。キャリアプランを考えると、スタート時点で大きな評価を得たスタイルを捨てるのは簡単なことではありません。とにかく、そこから今までよりもさらに色を細かくはっきりと分解していくスタイルになっていくんですね。

描いてるうちにどんどん細かくなってきたんですよね。描く対象をじぃっと見ているうちに色がいっぱい見えて来るので、それを全部描こうとするうちに段々とこうなったんです。ほら、この女の子の肌をよく見たら血管の青だけじゃなくて、赤とか緑とかたくさん色が入っているでしょう？（と言いながら小さな雑誌の切り抜きを見せてくれたけど、僕にはただの小麦色にしか見えない）
でもいくら描いても自分の納得できる作品ができなくて、二年ぐらい悶々と悩んでいました。もっと良い作品になる予感はあるし、もっとやりたいことがある。でもいくら描いても全然向上しないしその方法がわからない。最後の方は絵を描くのが辛くなるぐらいに本当に苦しかったんです。そんな日々を送っているうちに、昨年の6月にタンバリンギャラリーで展示をするチャンスが巡って来ました。「絵の具をアクリルから水彩に変えたらどうかな」とぼんやり考えていた時期だったので、これをきっかけに水彩の作品に取り組んでみよう思って、個展のために一ヶ月ぐらいで一気に描き上げたんです。

個展作品"ETERNAL ROOM", 2011年

それが個展『オーロララ』の一連のシリーズなんだ。つまり現在のスタイルは個展直前の一ヶ月で開発されたわけですね。水彩にスイッチしたことで作品の表情がぐっと豊かになりましたね。

アクリルだと思い通りになっちゃうんですよね。操れるといえば操れるけど、新しいことは起きないというか、自分の想像を超えた何かを生みだす力も私にはなくて。それが水彩で描き始めた途端に「あれ、なんか楽しい！」みたいな（笑）。「まだまだ上を目指せる」という気持ちで今は描いています。

その後8月に『ETERNAL ROOM』、9月に『ハッピーテラピー』と矢継ぎ早に個展を開催しましたね。画材を水彩に変えたことで、北村さん自身だけでなく取り巻く環境も大きく動き始めたのかもしれません。『ハッピーテラピー』では2週間に及ぶ公開制作で、とても大きな作品に挑戦しましたね。これは始めから企画していたんですか？

いえ、展示の二日前から描き始めたんですが、単純に間に合わなかっただけなんです。それでギャラリーの方に「間に合わないかもしれないので他の作品に変えるかもしれない」と相談をしたら、「公開制作をして良いよ」と言って下さったので思い切って挑戦しました。私は2-3日でできると思っていたんですが、周りのみんなは絶対無理だと思っていたみたいで、あっさりと決まりました（笑）。結局、個展の期間中は嵐の日も休まずに毎日通ったんですが、出来上がったのは最終日でした。しかも間に合いそうになかったので、家に持って帰って描いたりもして。やはり絵が大き過ぎたんですかね。保管場所もないので、しばらくはこのサイズで描くのはやめようと思ってます（笑）。もちろんチャンスがあればまた描きたいですけどね。

個展作品"ハッピーテラピー", 2011年

なんか常にドタバタしてますね（笑）。とにかく現在のスタイルになってからまだ半年余りで、その間にもどんどん密度が上がり洗練されている気がします。これからもまだまだスタイルは変化しそうですね。

私の中では「スタイルを変えていく」というより、「作品を掘り下げて極めていこう」という感覚に近いかもしれません。そしてそれは私にとって戦いです。今のスタイルには手応えを感じているけど、もっともっと良くしたい。今を超えたいんです。そうするうちに結果的にスタイルが変わっていくのかもしれません。私はゼロから絵を生み出すよりは現実が描きたくて、現実を超えたいと思っています。だからこれからは、自分で作品のための写真を撮っていきたいですね。絵の仕事が増えたら、色んな国に行って、そこでたくさん写真を撮り、そしてまたその絵を描きたいんです。

ようやく手応えを感じた作風に出会えたようだが、どうやらまだまだ変化の途上にあるようだ。そうだとしたら、これから彼女が発表していくであろう作品の数々を、楽しみに見守っていきたいと思う。作品の出来る過程を見ながら作家の思考の過程を想像し、時には寄り道や沈黙を共有し、その間にアレコレと話を聞く公開制作の観客のように。

Text_Kenji Mori (BUILDING)

【個展"ハッピーテラピー"での公開制作】

北村佳奈
1984年生まれ。文化服装学院アパレルデザイン科卒業。
http://cancan.kitamurakana.com/

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北村佳奈 - CAT'S FOREHEAD | Profile

2012-01-13T04:40:43Z

1984年生まれ。文化服装学院アパレルデザイン科卒業。
http://cancan.kitamurakana.com/
BUILDINGのポートフォリオページ
 北村佳奈のインタビュー記事はコチラ

エディトリアルデザインの今 Vol.4 田部井美奈 - CAT'S FOREHEAD | Feature

2011-11-30T05:47:11Z

かわいいだけじゃない。気持ちの「揺れ」「ズレ」を表現するデザイン。

「エディトリアルデザインの今」、第四回目は、kvinaの活動でも紹介したグラフィックデザイナーの田部井美奈さんにお話を伺った。現在は、グラフィックデザイナーの服部一成氏の事務所に勤務しながら個人名義でkvinaやデザインの仕事に携わる。事務所の仕事として「真夜中」等の雑誌や書籍のエディトリアルデザインは多く手掛けているが、個人の仕事としてはグラフィックデザインやロゴ、ポスターの作品が多い、という田部井さん。田部井さんのデザインは、かわいいけれども甘くない、決してガーリーという言葉では括れない、でもかわいい。なんだか気になる、そんな引っ掛かりを感じるデザインだ。今後、素敵なエディトリアルデザイン作品を見せてくれるであろうという期待を込めて......。

あんまりエディトリアルデザインの作品が多くはない、ということだったんですが、田部井さんのデザインについてお話が伺いたくてお願いしてしまいました。どうぞ、宜しくお願いします。まずは、最近手掛けられた作品集『I Love that You Love what I Love』を見せてください。すごいカラフル！印刷の色もきれいに出ていますね。これは普通の４色印刷ですか？

彼女たちは、Pip & Popというユニットで、砂や砂糖を使ったインスタレーション作品を作るんですが、とにかく発色がキレイでポップ。作品は展示が終わったらなくなってしまうものなので、作品集を作りたいということで出版社より頼まれたものです。若い読者に読んで欲しいということもあって本の単価を下げるため、予算が少ない。だけどこの蛍光色のような色を出したいということで、印刷所の方と相談し通常のインクよりも彩度が高く色域が広いインクを使うことで普通の４色にはない色が再現できました。

表紙のタイトルは、かわいいんだけど潔い、そんな印象を受けます。

彼女たちの作品は、最初見ると可愛らしいと思うんだけど、よく見てみるとすごくストイックでプロフェッショナルな仕事だなと思ったんです。なので、かわいい部分を全面に押し出すよりも、少し引いた目線で、クールでさらっと、初めて知る方にも入りやすいように心がけました。

これは事務所でされているお仕事ですよね。雑誌「真夜中」での本文組みやタイトルのデザインについて教えてください。
「真夜中」（AD. 服部一成）は、創刊にあたって最初の段階に、全体の基本的な文字組を設定しています。文章をちゃんと読んでいただきたいため、特異なことはせず、ベーシックなスタイルになっています。そのかわり、文章以外の部分、タイトル周り、余白部分では、文章と関係あるようで無いような抽象的な図案を入れたり、連載でも毎回いきいきと見えるようにその都度変化をつけ、文章を読むことの楽しいきっかけになるようなページになるよう心がけています。決してシリアスになりすぎず、少し愉快なくらいの感じでデザインしています。

このご祝儀袋は拝見したことがあります。袋の隅に緑色のラインが入っていたり、すごく気が利いているんだけどきちんと感もある。

これは、当初CLASKA Gallery & Shop "DO"がパルコのウェディングフェアのノベルティの為に作られたものなんですが、その後そのまま販売しています。ご祝儀袋とぽち袋があります。こういった祝儀袋とか、のしをデザイン化したものというのは結構たくさん見ますが、伝統的なものよりもうまくいっているものは、あまり見ません。この形自体が完成されたものだからだと思います。本来のものとは違うかわいいものにはしたかったのですが、伝統的なものの良さから逸れないよう、新たな自分の造形は持ち込まず、丸や四角などのあたりまえの形の組み合わせ、最小限の表現でデザインしています。ぽち袋などでやっているグラフィックは、雑誌「真夜中」で毎号やっているタイトルデザインでの白地を埋めていく楽しさが自分の中で蓄積されてつながっているような感じがあります。

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『楽園に間借り』（黒澤珠々著）。完全に書籍のエディトリアルデザインですね。やはりかわいらしいけれども、ビジュアルが抽象化されているからか、いい意味でクールダウンして見える。

はい、ありがとうございます。表紙と本文のデザインもやらせていただきました。これは、文芸誌の公募新人文学賞を取った小説で、新人作家の本だったんです。なので、作家の名前を出しても誰にも知られていないし、どんな内容の小説かも分からない。なので、平積みされた書籍の中で、あれ、と違和感を感じたり、持っていてかわいいと思える、本というより、パッケージとか、物のデザインをしようと思った。具体的には昔の石けんのパッケージのようなイメージです。

カバータイトルの文字も通常の書体ではないですよね？いい意味で「？」と気になる違和感を感じます。

タイトルの書体は作っています。普通の書体にしてしまうと、サラッとし過ぎてしまって引っかからなかったので、パッケージ感が増すように、ほんの少しだけいじりました。あんまり書体を凝ったものにしてしまうと、それで拒絶感を示す人もいるので、ありものの書体じゃないなというくらいのところで止めています。本文組みは、とにかく読みやすくということを考えて決めています。

エディトリアルデザインについて、まだ個人名義でのお仕事が少ないということなのですが、ご自身で読まれる際に気にされていることはありますか？また、文字組みをする際に心掛けていることがあれば。

装飾美のほうに傾かず、文章はあくまで文字をきちんと読めるもの（絵の時は絵がちゃんと見えるもの）、そしてその文章の世界を自然に拡張できるものにしたいと考えています。作業としてはその内容に普通にぴたっとしたものが何なのかをまずよく考えます。一旦それを置いておいて、そこから、より生き生きとさせる方法があるかを探ります。ですから、内容によっては、ちょうどいい文字組と余白のことだけをしっかり考えれば良い時もあるし、文を解体し、転々とさせて、一見めちゃくちゃなレイアウトにした方が良い時もあります。

作品をいろいろ拝見していると、田部井さんのデザイン全体が醸し出す雰囲気って、レースにフリルにリボンの典型的なかわいい女の子じゃない。いかにも女の子的なアイコンを敢えて排除して、それでも残っている女の子らしさというか。そのちょっと素直じゃない感じ、そこがいいなあと思っていて。田部井さんがデザインをしていく上で、大切にしていることって何ですか？

きれいとか、かっこいいとか、それだけを頼りにしたものには、見ることも、作ることも、少し落ち着かなさを感じます。
小さいときに家にあって読んでいた星新一の影響もあるのか、人のくせ、間抜けさや、こっけいさ、おかしみ......そういったものにとても興味があり、学生のころ佐藤雅彦さんや大貫卓也さんの作る広告に没頭したのも、そういう事の一端かと思います。人の複雑さと様々な反射と反応、この秘密をデザインを考える上で意識しています。といってもこの秘密解明についてはまだまだかなり不確かで、あいまいなイメージのままなのですが、近い感覚であると思うのが、手塚治虫「火の鳥」の中に出てくるロボットのエピソードです。ある時期とても人気だったロボットがいて、そのロボットはロボットの常識にはあるまじきヘマをしたり、ぼうっとしたり、イライラしたり、そういった事に、人はなぜか惹き付けられたというお話で、たくさんの情報量の中で、用意もなくぱっと何かに惹かれたとき、このロボットの事をよく思い出します。

いいですね。ロボットなのに人間味があるという。完璧で隙のないものよりも、どこかにポッと穴が開いていたりする方が興味が湧く。

そうですね。生っぽさというのでしょうか。頭の中だけの予定調和な経路をたどった、出来合のもの、そういうものは表面だけつるつるで、全然引っかかるものがありません。何か生ものっぽい感じ、それは人の感覚にちゃんと裏打ちされているもの。こういうものを作れている人っていうのは、あらゆる場面で、相当敏感に色々なことを感じ取り、その感じを、必要な機会に再現できる力のある人だと思うし、自分もそうありたいなと思いながらデザインしています。

その微妙なズレの感覚というのは、デザイナーの気質というか性格というか。言葉にはしにくいですが、ビジュアルに表れてくると思います。そういう「ズレ」の感覚を持ったのは、デザインをやり始めてからですか？

子どもの頃や学生時代に見たもの、読んだ本等いろいろな影響があるとは思いますが、社会に出て一番最初に就いた仕事の影響が大きいかもしれません。ロシア製カメラ「LOMO-LC-A」を扱う会社だったんですが、このカメラも、写りが悪かったり、ぼけたり、ぶれたり......。先ほどのロボットにも似ていますね。そういうことを肯定的にとらえて、そうした「ぶれ」や「ズレ」の部分に人が楽しむことの本質的な部分が存在している、そういうことにある種本気で取り組むような仕事でした。今考えると、あの頃は、忘れてしまった、子どもの頃のような感覚と密接にしながら、デザインとかコミュニケーションの大事な何かを自然と吸収していたように思います。

Text_Keiko Kamijo

田部井美奈
1977年埼玉県生まれ。武蔵野美術大学短期大学部卒業。
E&Y、輸入カメラ『LOMO』販売代理店勤務を経て、2003年より有限会社服部一成に勤務、アートディレクター服部一成のもとで広告、CI、パッケージ、書籍、雑誌などのデザインを担当。2006年より個人の仕事もスタート。2009年、アトリエ「Kvina」に参加。
http://www.minatabei.com
田部井美奈が参加しているkvina（クビーナ）のインタビュー記事はコチラ

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牧かほりのアトリエをゆく - CAT'S FOREHEAD | Journal

2011-11-29T05:44:05Z

フレームの中を大胆に踊る華麗な水彩画と、濃密なテクスチャで圧倒的な存在感を放つ鉛筆による一連の作品とを柔軟に往復し、日本はもとより海外でも広く活躍するグラフィックアーティスト、牧かほり。時にはグラマラスな額縁とのコラボレーション作品や映像作品を発表するなど、自ら築き上げた評価の高い作風からヒラリと新たなチャレンジに取り組む彼女の旺盛な好奇心にはいつも感嘆させられる。今回はそのアイディアと行動力の源を垣間見るべく、大きなルーフバルコニーからの眺めが素晴らしい彼女のアトリエを訪れた。

西武百貨店 / ウィンドウディスプレイ (2010)

彼女の作品スタイルの変遷を見れば、彼女がいかに新たな欲求に衝き動かされて来たのかが一目瞭然だろう。僕が初めて彼女の作品と出会ったのは、彼女がまだ水彩の作品を描いていた頃だ。華やかでスタイリッシュな彼女の作品は、当然のごとく数多くのファッション誌に登場のチャンスを与えられていた。当時の話を切り出すと「最近はその時代のことを聞かれることなんてないよ」と笑いながらも、「当時はああいう絵が好きだったんですよ。おしゃれなカフェにスタイリッシュな女の人が座っているようなシチュエーションとか。でもだんだんとあのスタイルに興味を持てなくなってしまったんです。絵が上手くないとキツイんですよね。それに私よりもっと絵が上手い人がいっぱいいるから」と事も無げに答えた。いやいやご謙遜を。着実に洗練を重ねているし、今でも根強い人気があるスタイルなのだから。

『森をゆく』（gallery ROCKET, 2003）

『Le gout』（gallery ROCKET, 2004）

そんな売れっ子のイラストレーターだった彼女が、個展『森をゆく』（2003）、『Le gout』(2004)を通じて立て続けに全く新しいスタイルの作品を発表する。『森をゆく』ではマットな色面を大胆に用いた絵巻物のようなストーリー仕立てのインスタレーション、『Le gout』ではグラマラスな造形のフレーム（いや立体の作品だ）とのコラボレーションで、それまでの彼女の作風（またはイメージ）だけでなく、イラストレーションのプレゼンテーションにおける既成概念の殻を破った。
「空間が決まらないとアイディアが浮かばないし、絵も描けないんです。いっぱい絵を描いたので展覧会をしよう、という発想は一切ありません。『その空間に絵を飾りたい』というモチベーションから始まるので、例えば誰かに部屋に飾るため絵を描いて欲しいと頼まれても、実際にその人の家に行って壁を見ないと何を描いていいかわからないんですよね」
彼女がそう語るように、どちらの展示もギャラリーの空間を完全にコントロールしていたし、新作の数々は腕の良いテイラーが仕立てた服に袖を通していたように居心地良さそうに見えた。

『箱庭』(VOID+, 2005)

『森をゆく』から二年後の2005年、彼女はVOID+の四方の壁を鉛筆で細密に描かれた作品で埋め尽くしたインスタレーション『箱庭』を発表する。「すごく時間がかかるヨーロッパの図鑑みたいなことをやりたいと思ったんですよね。そして展覧会場があまりにも小さいスペースだったので、これは壁床天井を絵で包むような演出をし、その上から原画を飾っていく方がおもしろいんじゃないかと思ったんです」。言うのは簡単だが、実現するのは（もちろん）簡単なことではない。

「最初は壁一面に展示するための手法が分からず、印刷屋さんに写真を撮って繋ぎあわせてと相談してみたら、それはスキャンした方が良いですよと教えられたんです。本当に何も知らなかったんですよね（笑）。そういうわけで知人のノートPCで作業をやり始めたら、あまりにもデータが大きすぎて、いつのまにか保存に2時間以上かかるようになってしまった。そしてついに・・・入校日にパソコンが壊れてしまったんです。もうどうしたら良いかわからないので、印刷所にノートPCを持って行って『これで何とかして下さい！』と泣きつきました。それでさすがに自分で出来なきゃ不便だな、と思ってPhotoshopの勉強し始めたんですよ。いまだにPhotoshop以外は使えませんけどね（笑）」
2005年当時のノートPCのスペックでは無理もないが、彼女の気迫がITのセオリーを打ち破ったのだろう。クラッシュしたPCのデータは不死鳥のごとくハードディスクから蘇り、圧倒的に濃密な空間『箱庭』は完成した。そしてこのインスタレーションは海外でも大きな反響を呼ぶ。牧かほりは不死鳥とともに『箱庭』の外に広がる大きな世界へと軽やかに飛び出したのだ。

「描いたものがプロダクツになったり、映像になったり、空間になることに興味が有るんです。絵がいろんな形に変化してみんなに伝わるのが楽しいんです」
彼女のこの言葉が、現状に決して満足せず新たなチャレンジを続ける原動力になっているのだと、今では肌触りがわかるほどリアルに感じられる。何より彼女はフィジカルに行動する人なのだ。例えそれが「暗闇の中でぼんやりと光る何か」を目指していたとしても。彼女に近況を尋ねたところ「一枚の絵から立ち上がるプロダクツ」というコンセプトで自身のブランドを立ち上げようと画策しているかと思えば、ベネツィア・ビエンナーレを訪れたついでにフランスの小学校に立ち寄って子供たちを相手にワークショップを行い、その一方で文化服装学院での講義を週に4コマ受け持ちながら「学生のためにもっと良い授業ができないか」と頭を悩ませている。もちろん毎日絵を描いてもいる。没頭し過ぎていつの間にか絵を描きながら机で寝てしまうほどに。

「画家が書いた本よりデザイナーの本を良く読みます。原研哉さんとか深澤直人さんといった広い視点で物事を見ている人が書かれた本は楽しいですね。考え方が鮮やかだもの。あんな風になりたいと思う」と話す彼女に、今後のことを尋ねたら「ホテルの内装をプロデュースしてみたいですね。壁紙からインテリア、そして小物までデザインできるようなプロジェクトを。そう思う反面、やはり一枚の絵で勝負できないと弱いな、と思ったりもします。だから大きな絵を描いて個展をしたい」と答えてくれた。きっといつか両方とも実現してしまうのだろう。アトリエに無造作にストックされた濃密な未発表作品を眺めながら、そう感じずにはいられなかった。

Text_Kenji Mori (BUILDING)

牧かほり

1969年生まれ。92年日本大学芸術学部卒業後、渡米（NY）。94年帰国後、フリーランスのイラストレーターになる。比類なき世界観を構築する圧倒的なセンスと技量が高く評価され、ハイファッションから空間演出、映像にいたる様々な分野でコラボレーションを実現。

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近藤聡乃 - CAT'S FOREHEAD | Profile

2011-11-09T08:41:19Z

2000年マンガ「小林加代子」で第2回アックス新人賞奨励賞（青林工藝舎）を受賞し、2002年アニメーション「電車かもしれない」で知久寿焼（音楽グループ、元たま）の曲に合わせてリズミカルに踊る少女の作品で NHKデジタルスタジアム、アニメーション部門年間グランプリを獲得。シャープペンを使って繊細なタッチで描くドローイングに加え、最近では油彩にも着手している。2008年、２冊目のマンガ単行本「いつものはなし」（青林工藝舎）を出版。
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http://akinokondoh.com/index.html/

Manga × Culture Vol.1 近藤聡乃 - CAT'S FOREHEAD | Feature

2011-11-09T05:30:37Z

少女、虫、体、血、分身......。近藤聡乃さんの絵の中には、まだ大人になりきれていない少女の中にある残酷性や性への興味、思春期特有の高い自意識が感じられる。鉛筆で非常に細かく描かれた１枚１枚の絵は、一瞬ぞわっと鳥肌が立ってしまうが、怖い怖いと思いながらもなぜかもう一度見たくなる。見てはいけない人の暗部をのぞき見てしまったような背徳感と、この「ぞわっ」がもう一度味わいたくて、ついつい見る。近藤さんのことは漫画『はこにわ虫』で知ったのだが、ギャラリーに所属しドローイングやペインティングはもちろん、アニメーションの制作もしているという。この度開催された、個展「KiyaKiya」で近藤さんにインタビューを敢行した。

「KiyaKiya」 2010-2011
シングルチャンネル・アニメーションビデオ 6min. 39sec.

今回の展覧会「KiyaKiya」ですが、タイトルの言葉は何なのでしょう？

近藤聡乃（以下、近藤）古い日本語で、「胸がきやきやする」という言葉からとっています。いままでこの言葉を知ってる人に出会った事はありません（笑）。この言葉を知ったのは、澁澤龍彦の『少女コレクション序説』という短編の中の用語集で、なにか気掛かりなような、不安なような、でも懐かしい、ちょうどデジャヴュのあとに体験する感覚、そんな感じを胸がきやきやするという。
自分の中でも、そういえばあのような気持ちを表現する言葉ってないよなと思っていたので、すっと腑に落ちたんです。また、それと同時に紙芝居に興味があって。「胸がきやきやする」というキーワードと紙芝居ということを軸に作品が作れないかと思って考えたのが今回の展示です。

映像の中に出てくる、文字のような記号のような言葉が印象的でした。あれは何ですか？

近藤アニメーションのなかで女の子が紙芝居を読んでいるので、文字が必要だったんです。でも、日本語でも英語でもそうなんですが、何か文字を使ってしまうと、そのイメージが強すぎるような気がしたんです。だから見ている人全員にとって、文字とは認識できるけれど、誰も読めないという文字が必要だったんです。ひらがなの五十音とアルファベットの４文字で全部で54文字を作って、それをパーツに組み換えて表示しています。だから私は読めるんですが、具体的な意味はありません。

近藤さんがこれまでに発表されてきた『はこにわ虫』（青林工藝舎）等の漫画の世界から、登場する女の子は同じですが、表現がだいぶ変わってきていますね。漫画の方では、人の体の中から湧き出てくるドロドロとしたものや、残酷性が垣間見えますが、今回のアニメーションを見ると、肉体からは解放されて、神話のようになっている。そんな感じがしました。

近藤そうですね。漫画を描いた時からはかなり年数も経ているので、意図して変わったというよりは、自然に変わってきているのだと思います。また、漫画は一応ストーリーがあるので、そこまで唐突な展開にはできないんですが、アニメーションの場合は、音楽等の要素も入ってくるので抽象度を高くても結構見ていられる。それはけっこう分けて描いています。

「KiyaKiya_painting01」 2009
22.8 x 30.3cm キャンバスに油彩撮影：齋木克裕

近藤さんが漫画を自分の表現としてやろうと思ったのはいつ頃ですか？

近藤高校三年生の時です。美術の予備校に通っていまして、夏にコンペがあったんですね。その時に人生で初めて漫画を描いてみたら優勝したんです（笑）。うれしくなって、コピーでいっぱい作って売ったりして。それが本当に楽しい思い出としてあったので、大学生になったら漫画家になろうと思っていました。その後、多摩美のグラフィックデザイン科に進学して、課題の合間に漫画を描いて、大学一年の時に描いた作品で２年の頭くらいに雑誌でデビューしました。初めて雑誌に載ったのは『アックス』で、初めての連載はロッキングオンの「コミックH」です。

近藤さんの漫画の中に登場する世界、澁澤龍彦のような少女観だったり、高野文子の漫画にあるような少し達観した世の中の見方みたいなものは、どこからやってくるのでしょう？

近藤漫画を読み始めたのが遅くて、中学生くらいの時に初めて手塚治虫の漫画を手にとった、というくらいで。少女漫画にはほとんど触れた事がないんです。ひとつあるとすれば、たまというバンドがすごく好きで、10代の時に熱中したことと言えばたまの音楽を聴くことくらい。そこから、自然にガロの存在を知ったり、書店で見たという感じですね。

絵のタッチとかで影響を受けた方はいますか？近藤さんの絵は少女画のようでそうではない、そんな印象を受けましたが。

近藤佐伯俊男さんという漫画家さんの絵がすごく好きで、真似をして描いたりしたこともあったので、最初の頃の絵はすごく似ていますね。とはいえ、彼の絵に近づきたくてたくさん練習したという程ではないんですが（笑）。

近藤聡乃展「KiyaKiya」会場風景/ミヅマアートギャラリー(東京,2011)
撮影：宮島径, Courtesy the artist and Mizuma Art Gallery

ストーリーの作り方について教えてください。あと、近藤さんの作品で頻繁に登場するプクッとした女の子は誰なんでしょう？

近藤漫画の場合は、まずは文章を書いてみて、それを線で区切ってページ数を決めて、さらに区切ってコマ割りをしてという流れですね。女の子は、一番最初に描いた漫画の主人公のクラスメイトの女の子なんです。よく自分のことかと聞かれますが、そうではなくて、憧れの女の子とか理想の自分という方が近いように思います。

近藤さんの漫画やアニメーションの中で、さまざまテーマはあると思いますが、一環して伝えたいことというのは何ですか？

近藤その時々に興味があることをやっていく感じなんですが。「覚え間違い」とか「勘違い」であるとか「記憶のズレ」みたいなところに興味がありますね。

現在、近藤さんはNYにお住まいですが、移り住んでから自分の中で変わった事などはありますか？

近藤具体的にはわかりません（笑）。たぶん、10年くらい住んでいたら感じることかもしれませんね。ひとつ思ったのは、今回読めない文字がたくさん出てきますよね、それは、知らない国で知らない言葉に囲まれる恐ろしさなのかもしれない。作った後にそう思いました。

近藤聡乃展「KiyaKiya」
会期：2011年10月11日（火）〜11月12日（土）
会場：ミヅマアートギャラリー
http://mizuma-art.co.jp/exhibition/1314109331.php

Text_Keiko Kamijo

近藤聡乃
2000年マンガ「小林加代子」で第2回アックス新人賞奨励賞（青林工藝舎）を受賞し、2002年アニメーション「電車かもしれない」で知久寿焼（音楽グループ、元たま）の曲に合わせてリズミカルに踊る少女の作品で NHKデジタルスタジアム、アニメーション部門年間グランプリを獲得。シャープペンを使って繊細なタッチで描くドローイングに加え、最近では油彩にも着手している。2008年、２冊目のマンガ単行本「いつものはなし」（青林工藝舎）を出版。
http://akinokondoh.com/index.html/

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Quzmoインタビュー - CAT'S FOREHEAD | Journal

2011-11-04T05:06:13Z

gm tenで行ったライブドローイングの一部

Quzmoは下平晃道と多田玲子夫妻のお絵描きユニットだ。下平は本名で行う絵画の創作活動とは別に、"Murgraph（マーグラフ）"名義でイラストレーターとして活動をしており、多田はイラストレーターのほかに、ドラムとヴォーカルで構成される異色の二人組ガールズパンクバンド"Kiiiiiii"のメンバーとしても知られている。二人あわせて5つの名義で活動しているわけだが、混乱することなくちゃんと棲み分けができている。いや、逆にそれぞれの活動がシナジー効果を生んでお互いの領域を拡げる役割を果たしているのだ。5つのフィールドがぞれぞれ個別の記事を書けてしまうほど充実しているのだが、今回は「お互いを褒めあうのが得意なんです」と言う仲良し夫婦が創り上げた「ユルいルールと強い絆のお絵描きエコシステム＝Quzmo」に的を絞って話を聞いた。

二人のユニットですが、それぞれの普段の作品と比べてもあまり違和感がないですよね。というのも、画材（コピック）が同じせいか、そもそも二人の作風が近い印象を受けます。これは二人が出会ってから刺激を受け合ううちに・・・ということなんですか？

下平いや、最初からコピックを使ってたんですよね。初めてイラストを見せ合った時に、お互いの作品を「せーの」で見せたら、声を揃えて二人が「かぶってる！」という感じで。でもまだその時は、お互いが絵を描いていることを知らなかったぐらいなんですよ。どっちもインスタレーションをやってたので。僕は架空の話を書いて彫刻を作ったりとか。

多田そうそう。当時私は着ぐるみを使ったパフォーマンスをやってたんですよ。

下平大学を出てから5年ぐらいはそういう活動をしてたんですよね。でもそのままでは広がらないし、これでは食べていけないということでデザインの仕事を始めたりして。そのデザインにオリジナリティを出すために、それまでも描いていた絵を加え始めたんです。

そこから絵を仕事にしようと考えたんですか？

下平はじめの方は、結構サイケな絵を描いてたんですよ。動物の口からカラフルなものがブワーッと出てるヤツとか。それじゃあ仕事にできそうにないから、「もうちょっと洗練してるというか、イラストレーションとして機能しそうなものにできたら良いなぁ」とは考えていました。その時点ではそれがどういうものか全然わかってなかったんですけどね。そういうことを考えていたので「こういうのを描いてるんだけど」って感じで彼女に見せたら似ていた...という感じです。

多田私もそれより前から絵を描いていたんですが、絵の仕事はたまに来る程度でしたね。でも、バンドをやりながらバンドのために絵を描いて、それをHPに載せ始めたら評判が良くて。「じゃあもっとどんどん描いちゃおうかな」と気を良くして絵を更新していたら、少しずつ仕事が増えてきたんですよね。「Kiiiiiiiの人にお願いします」という風に。

gm tenで行ったライブドローイングの一部

そこがお二人のイラストレーターとしての黎明期ですね。Quzmoで活動を始めたのはいつからなんですか？

下平僕達が結婚するきっかけでもあったんですが、二人とも友達だった牛嶋さんという鉄割（アルバトロスケット）の演出をやってる人がいて、彼から「六本木ヒルズでイベントをやるから、君たち二人でなんかやってみない？」と誘われたんです。2004年だったかな。二人で描くのはそれが初めてでした。2メートル四方ぐらいの掘建て小屋のようなところに「2日間ぐらいあるから好きに描いてよ」というオファーだったので、僕達としても「お楽しみ企画みたいな感じで、一緒に行ってちょいと描いてみるか」といった軽い気持ちだったんです。といっても、イベントのための買い物とかの準備は二人でちゃんとやったんですけどね。それで実際に描いてみたら「意外にストレスなく描ける」ということがわかって、「二人で描くのも面白いね」という感じで少しずつ始めたんです。それから二人で描く機会が少しずつ増えていきました。最初のうちは切り絵をやったり、映像を壁に投影してそこに描いたりといった凝ったこともしてたんですが、何度かやっているうちに「意外と普通にやったほうがみんな喜んでもらえるんだなぁ」と感じて、現場に行って動物とかを派手にキレイに描くようになったんだよね。

多田最初の頃は「テーマがあったり頓智が効いてないとダメかなぁ」と思って、文字を書いたりその文字をつなげるとストーリーになるというようなライブペインティングをやってました。でも今はお絵かきユニットに相応しいぐらい、好きなようにお絵かきしています。

先日のウォーターマンのライブペインティングもそんな感じでしたね。

多田あれは下平君に来た話なんだけど、彼に「一緒にやって」って言われて二人でやったんですよ。

なるほど！そういう時に便利なユニットなんだ！

下平そうそう。二人だと一人で全部仕上げなくて良いから、途中で放っておくんですよ。今は描きたくないところとか。そしたら彼女が描いてくれるんで。

多田私の方が具体的なものを描くのが好きで、下平君の方が「にじみ」とか「色み」とか「雰囲気」とかを描くのが得意なんで、バランスがいいんですよね。以前は、私が色を塗るのが面倒だったので、きっと彼もそうだと思って「下平君に塗る作業なんかやらせちゃいけない。私が塗らなきゃ！」と頑張っていたんですが、実際はそうでもなかったみたい。

下平僕はQuzmoの時は塗ってるだけですね。塗り絵担当みたいなポジションになっちゃってます。

ギャラリー東京バンブーでの個展で、滝本晃司さんの演奏と一緒にライブドローイング

イベントだけじゃなくて、Quzmoとして仕事を受けることもありますよね？その時も同じような役割分担なんですか？

下平場合によるんですけど、例えばこないだの『午後の紅茶』の時は、彼女が線画を描いて僕が着色してましたね。

多田何を描くかを考えるのは私の担当なんですけど、私が線画を描いて「はいっ」って彼に渡すんですよ。そしたら彼が完成までやってくれるんです。「あ～楽ちん」みたいな。

役割分担があるといいですね。共同作業も効率的になるし、お互いに尊重しあえるようにもなるし。

下平最近絵本の企画とかもやってるんですが、そこでもちょっとした役割があって。彼女がストーリーとキャラを担当しています。

多田彼は描くのが好きで、私は何を描くかを考えるのが好き。そういう感じかな。

じゃあ多田さんが動かないと始まらない、ってことですね。

下平＆多田 それはありますね（笑）

お話を聞いていると、Quzmoの方が個別の活動より楽しそうに見えますね（笑）

多田だんだんと楽しくなってきました。

下平 Quzmoで（イベントだけではなく）仕事のオファーが来るようになったから余計に楽しいのかもしれません。

無印良品「じぶんでつくる紙管こどもイス　クリエーター５０人からの贈りもの展」に出品した作品

クライアントサイドからすると、個人に頼むより二人のユニットのほうがオーダーしやすいかもしれませんね。

下平それはありますね。それがすごく嬉しいです。Quzmoの活動をしてると、それぞれが知り合いになったクライアントから「今度はQuzmoで」と言われたりするんですよ。

FRAPBOISとのコラボレーションTシャツ

その時の「Quzmoで」というオファーでは、どんなものを求めているんでしょうね。

下平僕だけだと、女性っぽいものとか神秘的な雰囲気な仕事が多くなってしまうんです。占いとかね。絵が子供っぽくないし。Quzmoでやると子どもっぽいものとか、ガチャガチャっとした楽しいテイストの仕事を依頼されることが多いですね。

多田私の場合は、最近特に線画のような単色系の仕事が多くて、あんまり派手じゃないんですよね。4年ぐらいまではピンクをどーんと入れたりしてたんですけど。Quzmoはその反動なのかもしれません。

小さなお子さんと揃って三人だと、頼む方にもストーリーが出来ますもんね。企画書映えするというか、上司を説得しやすいというか（笑）。この調子で行くとQuzmoに仕事がいっぱい来そうですね。

多田がんばりまーす！

青山ブックセンター本店で行われた、戌井昭人＆多田玲子トークショー

これからが楽しみですね。お二人はそれぞれの名義でも精力的に活動をされていますが、これからQuzmoでやっていきたいことはありますか？

多田そうですね。昨日荒井良二さんと名久井直子さんのトークショーに行って来たんですが、荒井さんが日本中いろんな所にトークやライブペインティングをしに行ってるんですよ。イラストレーターだとなかなか呼ばれていくことがないじゃないですか。だから、「あー、ライブペインティング」で行けばいいのかと。

下平あとはワークショップですね。

多田トーク、ライブペインティング、ワークショップをやっていろんな所に旅行したい！

下平そう。息子も入れて「家族ユニットです！」ということでね。

Text_Kenji Mori (BUILDING)

Quzmo（クズモ）
下平晃道（Murgraph）と多田玲子（Kiiiiiii）の夫婦によるお絵描きユニット。
お楽しみライブペインティグや、テキスタイル制作等で活躍中。
http://quzmo.me/

Q&A 007 ナカムラ佳子 / Artist - CAT'S FOREHEAD | Journal

2011-10-21T06:38:14Z

ナカムラ佳子
1975年、熊本生まれ。神戸女学院大学卒業。沖縄・東京・福岡・兵庫などでの暮らしを経て、2007年離婚をきっかけに熊本に移住。子育てのため、自宅で出来る仕事を探す必要に迫られ、2008年から絵を描き始め、現在に至る。
「どこにでもある、誰にでも使える道具で、どこにもない絵をつくる」という志を胸に、原画制作や雑貨や商品パッケージなどへの作品提供、グループ展への参加や個展の開催など精力的に活動している。

犬に「ぐっ」とくることが多くなった。

ラファエロ全般。

ものすごく見通しの良い河原で、前を見ても後ろを見ても自分以外に誰も見えなかった、風景。

ドクターポリエステルハカセの『バブル少女』。

変化。新しく起きるものごとのほとんど全部に対して、恐怖を感じています。

『癒される』とか『泣ける』とかいうアオリ。

甲野酉さんの「転入生」を読み返している。

おすし。

田口トモロヲさん。

内容はどうあれ、納得できるオチ。

ひとり行動全般。

「人生をリセットするボタン」を、不慮の事故で押してしまう夢。
その前に、子供を迎えに行かないと！行かないと！と、ものすごく怖かったが、
目が覚めて隣を見たらちゃんといたので、良かった・・・。
激しい動悸・息切れ・発汗など、とても疲れた夢でした。

【A SELECTION OF WORK】

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小井田由貴インタビュー - CAT'S FOREHEAD | Journal

2011-10-04T05:31:07Z

木版画家小井田由貴。読者の中には彼女の作品を北欧雑貨/インテリアショップ「ILLUMS」で見たことがある人もいるだろう。モチーフのシェイプが潔くカットされた木版画の上に、絶妙なバランスでアクリルペイントが施された瞬間に、彼女の作品は木版画の持つ牧歌的な印象を脱ぎ捨てる。ニットキャップや木製のそりといった温かみのあるモチーフなのに、彼女の作品と対峙する自分の姿勢を正したくなるほどピリっとした緊張感に溢れているのだ。どんなにモダンな部屋にでもフィットする彼女の洗練された作品のファンの中には、一線で活躍中のグラフィックデザイナーも少なくない。決して多作ではないが、自らの信念に真摯に向き合ってきた彼女に、閑静な住宅街の中にあるアトリエで話を聞いた。

小井田さんの作品や身の回りのモノを選ぶセンス、例えばこのアトリエにあるインテリアや本を見ていると、きっと子供の頃から良いデザインのモノを見て育ったんだろうなという気がします。

物心ついた頃から、まわりに様々なクリエイターの方がたくさんいました。両親とも美大を出ていたのと、特に父親が建築家だったこともあり、ジャンルを問わず色んなクリエイターに囲まれて育ちましたね。そういう人達を見て、子供ながらに「楽しそうだなぁ」と感じていました。家では北欧の家具に触れたり、『花椿』を読んで刺激を受けたりと。当時はタイトルも知らなかったんですが、とにかく「本物」は見ていたんだと思います。高校を卒業して美術系の学校に入学したのも、すごく自然な流れでしたね。

学生時代から既に版画の勉強をしていたんですか？

いえ、生活デザイン科だったので、椅子とか机とかカトラリーなんかのデザインの勉強をしていました。編集や建築、プロダクトデザインなどの授業も受けていましたが、版画は自主的に勉強をしていたんです。
卒業してからは、ギャラリーを借りて個展をしたりアルバイトをしたりしていたんですが、5年くらいしてから「このままずるずるやっていてもダメだ」と思って作品制作を仕事にしようと思いました。

当時から木版画を制作していたんですか？

はじめはシルクスクリーンだったんですが、青森県三戸町立現代版画研究所に美大生として参加するようになってから木版画に変わりました。シルクよりも個性が出せることがわかったので。

お皿や靴など、身の回りのものがモチーフになることが多いですね。

日常で目にするものや、置いてあるものが美しく素敵であって欲しい、そう潜在的に思ってしまうんですよね。同じボトルでも、デザインの悪いボトルが置いてあるのは絶対に嫌なんです。無視できないというか。どうでも良いものがどうでも良くない。椅子も何でも良いというわけではなくて、「この椅子に座りたい」と思うものでなければいけない。だから、作品をつくる時に自然と身の回りのものに目が行ってしまうのだと思います。

作品のモチーフや雰囲気、そしてILLUMSで作品を販売していることなど、小井田さんというと北欧とのつながりが強いイメージがあります。

私が北欧を好きなのは、（北欧の）デザインだけでなく街や人がシンプルでありながら、それがかえって本質的な豊かさを感じさせてくれるからですね。それに、子供の頃から北欧の家具に囲まれて育ったので、たぶんはじめから親しみがありました。それはきっと親から受け継いだものだと思います。
実際はそんなつもりはないのですが、私のことを少し知っている人には、北欧モチーフの作品ばかり作ってると思われるみたいです。だからこれからは、もう少し自分の個性を強く表現することを意識していきたいですね。
と言っても、北欧好きは一生変わらないと思いますが（笑）

小井田さんの作品はモチーフをきわめてシンプルな形にしていきますよね。シンプルというか削ぎ落してフォルムがまったく変わるほどに。そこにアクリルを載せていくのはそこまで変形したフォルムを補完する意味もあるのでしょうか？

私は人間関係も含めて全てシンプルであることを好みます。余分なものはいらない。必要なものしかいらない。付属品とかいらない。とにかく削ぎ落してく作業が好きなんです。私の場合は、削ぎ落とすことで個性が出ると思いますし。
（ワッフルの作品を指しながら）例えばワッフルには型を押して凹んだ所があるじゃないですか。そこに段差ができて影ができますよね。アウトラインもギザギザしていたり。そこが魅力なんですよ。色もなにやら食べ物らしからぬ色なんですが、私にとってワッフルはとても綺麗な色なんです。

つまり小井田さんが魅力を感じる部分を再構築するとこうなる、ということなんですね。

そうですね。人は普通こんなところに魅力に感じないかもしれないけど、ワッフルでもテーブルに置いている時に光の当たり方によって綺麗に見える瞬間がある。そういうのを大事にしています。
自分なりにどこに魅力を感じているのかを把握していないと、その対象にも失礼じゃないですか。そうでないと、ただの説明するための図柄になってしまいます。

作品づくりとは本来そういうものなのでしょうね。一点一点に対して緊張というかエネルギーが必要とされますが。

私、緊張するのが大好きなんです。逆にだらだらするのが大嫌い。ただなんとなくお茶を濁して当たり障りの無いことを話してみんなと仲良くなることよりは、目標を決めてぶつかり合いながらもちゃんと通じ会えた、そういう時が嬉しいんです。だから基本的に人に嫌われることは平気です。誤解されて好かれているよりは、スパッと嫌われている方が気持ち良いくらい。「ああ、私のこと嫌いなんだな」って（笑）

その潔さが作品の緊張感を生んでいるのかもしれませんね（笑）。ところで作品を作る時に人の意見は参考にしないのですか？

絶対にしません。でも、尊敬している目利きの人に絵を見てもらう時に「この人は何ていうかなぁ」ということは考えます。良いと言われても悪いと言われてもOK。もちろん、良いと言われると嬉しいけど。

小井田さんは、色んな事において近道をしようとはしないですよね。遠回りだとわかっていても、自分が納得できないことは絶対にしない。でも、作品を一目見ただけでそれとわかる個性があるし、ファンも着実に増えています。では最後に、これからどうなりたいか、ということを聞かせていただけますか？

自分の作品をもっとたくさんの人に見てもらいたいと思っています。欲を言えば世界中の人に。そして、文学とか科学といった絵とは異なるジャンルの一流の人達の前であっても、自信を持って「これが私の作品です」と言えるものを創っていきたいです。

Text_Kenji Mori (BUILDING)

小井田由貴
東京都生まれ。
武蔵野美術大学短期大学部卒業
青森県三戸町立現代版画研究所修了
1997年より出版物、企業とのコラボレーション、個展などを中心に活動を開始する。
http://yukikoida.com/

作品で対話の場を作り出す、幼稚園でのコミッションワーク - CAT'S FOREHEAD | Journal

2011-09-27T12:46:39Z

こんな幼稚園があったら通いたい！
そんな素敵なアートワークが施された幼稚園が都内某所に誕生した。
このコミッションワークを手掛けたのは、アーティストの池田光宏と小木曽瑞枝だ。建築物は竹中工務店が手掛ける建築物のアートワークで企画コンペに採用され、園全体のアートワークおよびロゴマークを手掛けた。

実際のアートワークを手掛ける前段階から、池田＋小木曽の作品づくりが始まった。
「僕らのプランが採用されたことの大きなポイントは、ワークショップを積極的に取り入れたことと、アートワークにシーンを演出する機能を持たせる提案をしたことだと思います」

園舎のリノベーションにおけるワークショップとは何なのだろうか。それは、園児が自分たちが通う園舎づくりに参加すること、それがみんなの思い出づくりになることだった。工事期間中には、園舎の周りに仮囲いがされるのだが、その囲い部分にマスキングテープを用いて思い思いの絵を描く、その上からみんなでペンキを塗る。マスキングテープを剥がすと白抜きの絵が出来ているというわけだ。

「園児たちにとって園舎はすごく愛着があるものです。それを新しく作るのに自分たちも参加しているという感覚を味わってもらいたかった。そして、園児たちの中には仮園舎のまま卒園してしまう子もいます。そういう子たちにとっても、みんなで絵を描くという思い出を創ってあげたかった」

メインのアートワークがこれである。

５つのブロックと雲のような吹き出しのようなオブジェ。園児たちは毎日この前を通り、アートワークの前で入園式や卒園式の写真を撮る。思い出の場所になる。これは、池田がかねてより制作していた「コミュニケーション」を誘発する場づくりにまつわる作品のアイデアを元に、小木曽が得意とする色彩豊かなグラフィックワークをコラボレーションさせたものだ。
「校門の前はみんながよく記念写真を撮る場所。なので、せっかくなら面白い写真が撮れる場所にしたいと思いました。アイディアのベースにしたのは自分が2年前のグループショウに出品した『他の人の作品を見るための椅子』という作品です。それは椅子に吹き出しがついているもので、座って休んでいる人たちは、遠くから見るとおしゃべりしているように見えるという趣旨。今回は園児が座ることを想定して、言葉にならない、もっともやもやした抽象的な形が園児から溢れ出るようなイメージでアレンジしました。形を紡ぎ出す着想は幼稚園の園歌「ひかりのこども」の歌詞から得ました。おとぎ話のような詩が僕らの目指す世界観と重なり合ったように思えたのです」

幼稚園側との度重なる対話を経て、さまざまな角度からこの幼稚園のよさを再考し、アートワークに落とし込むだけでなく、そこから誘発されるコミュニケーションやシーンまでを想定し、さらに子どもたちの動機付けとなるワークショップまでトータルにかかわっている。

園のロゴマークも手掛けた。

また、現在では池田と小木曽は幼稚園の美術の授業を担当しており、子どもたちに自由な造形を促すワークショップ形式の授業を行っている。この時は「ピカソの目を描こう」というテーマで、普通じゃない目を描き、子どもたちは大興奮であった。

テレビゲームやアニメ、キャラクターが普及している昨今、子どもたちが自由な発想力を発揮できる場所が少なくなっているようだ。そんななか、興奮状態の子どもたちを見て、また、こんな幼稚園があったら通いたい！と思ってしまった。

※記事に登場する幼稚園の設計施工は竹中工務店、アートプロデュースはTAKプロパティが行った。

Text_Keiko Kamijo

池田光宏
1969年生まれ。日本大学芸術学部卒業、東京藝術大学大学院修了。08年文化庁新進芸術家海外研修によりスウェーデンに在住。主にパブリック・スペースを活用し、日常にささやかなハプニングをもたらすようなアプローチのもと作品を制作、発表している。最近の主な展覧会に'03年、'06年｢越後妻有トリエンナーレ｣(新潟)、'08年｢赤坂アート・フラワー08｣旧赤坂小学校(東京)、'10年｢ミマクル・ミラクル｣府中市美術館(東京)などがある。またワークショップでは妻の小木曽瑞枝氏と共にユニットでも活躍。

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黄金町バザール2011（横浜トリエンナーレ特別連携プログラム）
会期：～11/6（日）まで
会場：京急線「日ノ出町駅」から「黄金町駅」間の高架下周辺市街
詳細：http://www.koganecho.net/koganecho-bazaar-2011/info/info01.html

AOBA+ART 2011
会期：10月1日(土)～10月23日(日）
会場：横浜市青葉区美しが丘・住宅街
詳細：http://www.aobaart.com/news/

小木曽瑞枝
1971年生まれ。日本大学芸術学部卒業、東京芸術大学大学院修了。07年ポーラ美術振興財団在外研修員としてスウェーデンに滞在。風景の観察を通した独自の視点で物語を構築し、ファンタジーとリアリティーの狭間にある世界観を平面と立体を構成したインスタレーション作品として発表。最近の主な展覧会に、 '03年｢Project N｣オペラシティアートギャラリー(東京)､'09年｢Get Set｣ヴィルセルム美術館(スウェーデン)､'10年｢ポーラミュージアムアネックス展2010"祝祭"｣(東京)などがある。

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小木曽瑞枝＋光楽恭子のユニットRantorgetによる
「小遊山バック」がNADiff a/p/a/r/tにて発売中。
http://www.nadiff.com/home.html

小木曽瑞枝と菊地敦己のコラボレーションによる
ポストカード「The Garden of Deep Sea」がユトレヒトにて発売中。
http://www.utrecht.jp/person/?p=389

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